Mes cinq meilleurs lieux d'art incontournables à Londres

Une renaissance culturelle palpable à Londres en 2026

« Les choses au pire cesseront », assurait un dramaturge à propos d’un roi écossais, « ou alors remonteront vers ce qu’elles étaient auparavant. » En ce qui concerne Londres, cette affirmation peut être un peu exagérée, mais dix ans après un référendum qui a coupé la Grande-Bretagne du continent européen, et qui a mis à mal les industries créatives de la capitale ainsi que ses universités, Londres en 2026 traverse une période de renouveau culturel évident. L’art est bel et bien de retour.

Les nouveaux dirigeants du British Museum, du Théâtre National et du Royal Opera House ont insufflé un nouvel espoir aux institutions pleines d’histoire. La National Gallery a récemment dévoilé une extension importante, tandis qu’un nouveau bâtiment pour le Museum of London, ou London Museum, qui sera renommé une fois qu’il sera installé dans l’ancien marché de la viande historique de la ville, ouvrira ses portes cette année. Par ailleurs, une antenne du Victoria & Albert Museum, située dans le quartier olympique à l’est de la ville, est également en cours d’aménagement.

Lorsque je vivais ici dans les années 2000, Londres m’accueillait comme la capitale culturelle confiante d’une Europe unifiée. Aujourd’hui, l’atmosphère est peut-être un peu moins effervescente, ou peut-être suis-je simplement devenu plus âgé. Quoi qu’il en soit, Londres est de nouveau sur le devant de la scène, et son impressionnante histoire culturelle conserve encore toute sa vitalité.

Kenwood House 3 Hampstead Lane, Hampstead Si vous souhaitez admirer le portrait de soi le plus impressionnant à Londres, assurez-vous de porter des bottes en boue. Perché au sommet de Hampstead Heath, ces vastes pâturages souvent boueux au nord de la capitale, cette villa connue sous le nom de Kenwood House abrite un autoportrait de Rembrandt datant de ses dernières années : un bonnet blanc sur ses cheveux en pagaille, un col en fourrure esquissé en brun lavis, une palette, un manche à pince (pour stabiliser la main) à côté de ses pinceaux. Il s’agit de l’un d’une quarantaine d’autoportraits de l’artiste, mais aucun autre ne se présente avec une telle autorité décontractée — surtout dans un décor aussi curieux.

Contre un fond simple de couleur écru terne, Rembrandt a plongé son pinceau dans le noir et peint un cercle parfait. En réalité, deux cercles. Au début de la Renaissance, Giotto aurait prouvé son talent au pape en dessinant simplement un O, et trois siècles plus tard, Rembrandt reproduit la même chose. Son corps vieillissant peut encore atteindre la perfection géométrique : le mouvement ultime du défi artistique.

Son autoportrait « Self-Portrait With Two Circles », peint à la fin des années 1660, est l’un des nombreux chefs-d’œuvre hollandais conservés à Kenwood House. La collection comprend également un Vermeer, des Hals et d’autres grands maîtres, réunis par Edward Cecil Guinness, le brasseur irlandais qui, en achetant Kenwood en 1925, transforma la bière stout en œuvre d’art. Pourtant, toutes ces riches détails dans ces autres tableaux peuvent paraître pompeux en comparaison avec les deux cercles de Rembrandt. Tout ce dont vous avez besoin pour une beauté pure, c’est une main, un pinceau, une forme sans défaut.

Le musée Victoria & Albert

Cromwell Road, South Kensington Au principal musée de Londres dédié aux arts décoratifs et au design, dans le quartier de South Kensington, les objets que je vais systématiquement observer lors de chaque visite mesurent environ sept pouces de haut. Il s’agit d’une paire de peignes à cheveux en écaille de tortue, accompagnés d’un étui confectionné dans le même matériau dur, poli avec une résine jaune qui leur donne un éclat brillant. Les poignées du peigne sont ornées de motifs floraux — des tulipes tourbillonnantes et des vignes provenant de jardins anglais. Mais ce qui attire mon regard, c’est ce qu’il y a sur l’étui : un palmier somptueux chargé de noix de coco et montant vers le ciel. Un touffu de canne à sucre. Un arbuste de coton. Au dos, sous un homme et une femme taino, et sous une croix, piquée de papayes, le fabricant de cet étui a gravé une inscription : IAMAICA 1673.

Les peignes et l’étui se trouvent dans l’un des « British Galleries » que le musée évoque. Mais l’art et le design britanniques sont devenus une enterprise mondiale au XVIIe siècle, et les objets que je préfère ici cartographient le mouvement océanique des peuples, des idées, de l’argent et des matériaux à cette époque moderne. Dans la salle 56c, on trouve des satins fabriqués à Londres décorés de motifs chinois, ainsi que des bouteilles et des théières en porcelaine venues du Japon fermé.

Ce qui me fascine le plus, ce sont ces petits objets en écaille de tortue (envoyés de Jamaïque en Grande-Bretagne avec « 400 lbs. du meilleur sucre blanc des Barbades »), car exploration, exploitation, communication, créolisation : les musées veulent que les choses restent immobiles, mais l’art est constamment en mouvement.

Le Palais et Jardins d’Eltham

Court Road, Greenwich Londres a entretenu une relation curieuse avec le modernisme au début du XXe siècle : peu de casseroles cubistes, pas de futuristes hurlant fusionnant tout, mais de nombreux Britanniques avant-gardistes qui conservaient un pied dans la tradition. Quand Steven et Virginia Courtauld, élégants, excentriques et très riches, ont décidé de construire une nouvelle demeure, ils ont édifié un manoir art déco à côté d’un palais Tudor en ruines. Puis, ils l’ont décoré avec des panneaux en bois australien laqué et de lourds mosaïques dorées.

Ce que je préfère, c’est le détail du boudoir de Virginia Courtauld, où elle a commandé une carte massive de l’environnement sud-est de Londres, assemblée à partir de panneaux de cuir tan, vert et blanc. Une carte murale peinte, semblable à celles qui ornaient autrefois les résidences aristocratiques pour exhiber leur patrimoine. Mais les Courtauld l’ont modernisée : plus plate, plus lumineuse, mettant en valeur les docks, les terrains de golf, la Crystal Palace aujourd’hui disparue, et même quelques pubs locaux.

On pourrait qualifier cela de style « trois martinis ». Le palais d’Eltham n’est peut-être pas la maison la plus innovante architecturalement du XXe siècle, mais cet affrontement frontal entre Londres de Henri VIII et les plaisirs de Noël Coward me séduit. Et la carte en cuir cousu, les mobiliers en yacht grade et le marqueterie de Romains et de Vikings rappellent que l’architecture moderne peut être sexy, et pas seulement pratique. Conçue comme la maison de fête ultime de Londres entre les deux guerres, sa fusion du passé et du présent est le cocktail le plus réussi qu’on puisse imaginer.

Le musée Sir John Soane

13 Lincoln’s Inn Fields, Holborn La manière la plus accessible de voyager dans le temps au cœur de Londres, c’est de visiter les trois maisons mitoyennes que l’architecte et collectionneur obsessionnel Sir John Soane a assemblées il y a un peu plus de deux siècles. Mais ce n’est qu’en 2023 que le public a pu gravir un petit escalier en colimaçon à l’arrière de la maison pour découvrir une pièce étroite et jusque-là inconnue.

Il s’agit du bureau de dessin, où les apprentis de Soane apprenaient les fondamentaux du métier. Six jours par semaine, ils réalisaient des esquisses de copies en plâtre des capitules ioniques, des mascarons de dieux ou de satyres. Seuls quelques-uns peuvent entrer dans ce passage étroit (il faut réserver une visite, les jeudis et samedis), et l’on peut imaginer leurs efforts pour travailler ces petites fleurs et ces moulures suspendues dans chaque coin, même au plafond. C’était leur quotidien, et cela les confinait.

Les plâtres en taille réelle sont nombreux dans le grand hall, notamment une copie grandeur nature de l’Apollon Belvédère. La salle consacrée aux œuvres représente toute une époque avec ses scènes de débauche géorgienne, hier Courtesy de William Hogarth. Sur la façon dont l’art se présentait alors, cette œuvre dense et distincte, dépourvue de longues explications, tire toute sa puissance de l’ensemble plutôt que de ses composants. Ce qui rend si particulière la pièce du bureau de dessin, c’est qu’elle permet de redécouvrir les petits éléments de l’univers de Soane : des objets de beauté et des unités de travail.

Le Musée Hunterian

38-43 Lincoln’s Inn Fields, Holborn Juste en face du musée Sir John Soane, je vous propose une rencontre d’un autre monde : une merveille vieille de 400 ans composée de chair et de sang séchés.

Les tables Evelyn, ainsi qu’on les nomme, sont considérées comme les plus anciennes dissections humaines encore existantes au monde, réalisées par des médecins de Parme, en Italie, au milieu du XVIIe siècle. Pour chaque table, ils ont soigneusement découpé un système du cadavre, puis ont collage méticuleusement les veines, la moelle épinière et les nerfs vagues tels qu’ils apparaissent dans un corps vivant. Elles ressemblent à des plantes séchées, ces tissus humains posés sur des planches de pin : le système circulatoire avec son Aorte et ses artères, le système nerveux qui s’étend comme des racines d’arbre. La médecine de la vie n’a rien de plus littéral.

Certes, ce n’est pas pour vous si vous avez un estomac sensible. Mais j’adore les musées de la médecine, surtout un comme le Hunterian, géré par le Royal College of Surgeons d’Angleterre et fondé en 1799 — une époque où l’art et la science s’entremêlaient étroitement. La collection retrace l’histoire de la chirurgie, du tour à bois à la chirurgie laser réfractive (LASIK), et des milliers de spécimens zoologiques flottent dans des bocaux en verre remplis d’alcool. Comme les tables Evelyn, ces organismes étonnants (et pas particulièrement effrayants) étaient destinés à l’enseignement plutôt qu’à l’effroi. Ce que vous contemplez dans ces panneaux plats, autrefois faits de peau et de cartilage, c’est une connaissance nue.

À découvrir également :

St. Dunstan-in-the-East — La City de Londres : vestiges d’une église de Christopher Wren détruite lors du Blitz. La chapelle bombardée et ses murs envahis par la végétation forment aujourd’hui un très beau jardin public.
2 Willow Road — Hampstead : maison en briques datant de 1939, conçue par l’exilé hongrois Erno Goldfinger. La façade rectiligne fit polémique (Ian Fleming y a même donné le nom d’un méchant Bond, « Goldfinger », en guise de revanche).
Courtauld Institute of Art — West End : musée-université bicéphale (mon alma mater, en toute transparence), qui détient la plus grande œuvre de Londres : « Le Bar des Folies-Bergère » d’Édouard Manet, œuvre révolutionnaire dans la perspective et l’étiquette.
25 St. James’s Street — St. James’s : le plus beau bâtiment brutaliste de la ville, conçu par le couple d’architectes Alison et Peter Smithson comme siége du journal The Economist. Le portland stone et le béton dominent Piccadilly ; imaginez obtenir une telle autorisation aujourd’hui.
Freud Museum — Hampstead : la maison de « la » demeure, où Sigmund Freud a vécu avec son canapé emblématique, surmonté d’un tapis Qashqai un peu usé, venu avec lui de Vienne lors de sa fuite en 1938. Le musée propose également des expositions d’art contemporain à visée psychanalytique.
Banqueting House — Whitehall : lieu de fêtes à l’architecture romaine, construit par James VI et I, où son fils, Charles Ier, fut decapité. Ouvert seulement certains jours, il vaut le coup d’œil pour son plafond peint dans un style grandiose par Peter Paul Rubens.
Donlon Books — Hackney : librairie rare spécialisée en livres d’art, mélange dense de titres de mode en édition limitée et de philosophies déroutantes.
Toklas — West End : restaurant culturel fondé par Amanda Sharp et Matthew Slotover, figures emblématiques de Frieze. Les murs sont couverts d’affiches d’art contemporain ; le chef est une merveille avec les artichauts.